5 pasos para crear una colección de moda

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Si tus inquietudes son la creación de prendas de vestir. En este post os explicamos el proceso de creación que hay detrás de una colección de moda con los 5 pasos para crear una colección de moda:

Paso 1: Elección del tema

Lo primero y más importante es elegir el tema de la colección.
Este tema vinculará y dará sentido a toda la colección.
Definirá que tipo de prendas, de colores, tejidos habrá en la colección. Tener un buen tema nos facilita mucho el trabajo. Nos centra y nos ayuda a decidir los cientos cuestiones que nos van a surgir…, ya que todo es más sencillo cuando se tiene un eje central y no te dispersas.

Paso 2: Definición de la colección

Definir que prendas formarán la colección:
En función de si es invierno o verano pensar cuántas partes de arriba, cuántas de abajo, pantalones, faldas… Y pensar que todas esas prendas deben combinar entre sí.
Es importante que quede compensado, que haya suficientes prendas de cada tipo y que la colección tenga coherencia.
Se toman decisiones y se van dibujando los primeros figurines.

Paso 3. Concreción del estilo

Al mismo tiempo que se va dibujando se va decidiendo qué telas y colores incluiremos en la colección, podemos probar diferentes tejidos. Cambia mucho el color y el aspecto según qué tejidos elegimos. Esta fase es muy delicada ya que marcará la colección, las prendas y el estilo.
Con los figurines planteados y los colores planteados elegiremos el resto de los tejidos como forros y entretelas.
La fase 2, y 3 pueden simultanearse, intercambiar el orden… puedes enamorarte de un tejido y pensar que prenda quería perfecta con él, puedes tener un diseño perfecto y buscar el tejido idóneo para realizarlo. Es un proceso creativo con mil decisiones cada día…

Paso 4: Muestras

A continuación hacemos las primeras muestras.
En esta parte el patronaje es el protagonista para obtener el volumen, la forma el estilo de la colección, pero ya en 3 dimensiones. Si quieres prendas estructuradas, o de aspecto relajado. Hacer las muestras sirve para probar opciones, elegir tipos de costura y acabados y poder cambiar todo lo que no nos gusta y rectificar todo lo necesario.

creación de una colección de moda

Resulta fundamental para el diseñador tener buenos conocimientos de patronaje y corte de prendas. Saber combinar moulage – modelado- y el patrón en plano sobre mesa. No es posible limitarse a un solo método de trabajo para realizar lo expresado en figurines. A las empresas no les resulta rentable hacer muchas muestras, hay que intentar acertar a la primera.

Si el tejido es muy caro o tenemos muy poco, las muestras pueden hacerse con un tejido de características similares.
Mientras hacemos las muestras vamos buscando y eligiendo que fornituras pondremos en cada prenda: botones, cremalleras, aplicaciones…

Este proceso culmina con el fitting: se trata de probar las prendas a una persona real. Es un paso muy emocionante porque verás cómo se comporta la prenda puesta en una persona, con movimiento. Este día puedes comprobar si la prenda es cómoda, si hace falta hacer algún ajuste (acortar bajos, añadir cremalleras, modificar pinzas…).

Paso 5: Imagen de la colección

Cuando tenemos nuestra colección acabada, necesitamos tener la imagen de la colección. La imagen de la colección y lo que transmite es casi tan importante como las mismas prendas.
Tendremos que hacer un catálogo o lookbook, para hacerlo habrá que elegir la modelo, el fotógrafo, el maquillador… todo el equipo ideal para que las fotos trasmitan nuestra idea.
Además, quedarán por diseñar también las etiquetas, los nombres de las prendas… Todo ha de forma coherente y en una misma línea para conseguir el mejor resultado final.

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Un poco de bibliografía nunca viene mal.

Si te interesa aprender el proceso de creación de colecciones de moda, ya sea completo o alguno de los pasos, en Fábrica de Moda adaptamos la formación a tus necesidades. Contacta hoy mismo.

Fotografías realizadas por Archerphoto. Desfile de Eugenio Loarce, Semana de la Moda de Valencia, 16 de febrero de 2012.

 

El significado de “No brown in town”

Esta expresión es inglesa y su traducción literal es “No marrón en la ciudad” . A principios del siglo pasado, en plena revolución industrial, las grandes ciudades inglesas estaban llenas de humo y hollín de las fábricas por lo que estar limpio no era una cosa fácil.

pog13-two-gentlemen-seated-carte-de-visite-stavanger-norway no brown in townPor eso los hombres de negocios de la época empezaron a usar colores como el gris y azul marino que eran los mejores para que esta suciedad se notara menos, y colores como el marrón y el verde se relegaron a personas que viven en el campo.Por esta razón inventaron esta frase, haciendo una diferencia entre la gente de la ciudad, relacionada a los negocios y el crecimiento, en contraste con la gente del campo, relacionada a la agricultura y a un modo de vida más modesto.

No brown in town

Esta connotación del color sigue hasta nuestros días. Tanto para hombres como para mujeres en el mundo laboral Por esta razón cuando vemos un traje en color marrón o verde, automáticamente tenemos una idea de poco crecimiento, y la persona que lo lleva se ve con poco poder, como ese oficinista que lleva 20 años en el mismo puesto y con un salario de tristeza absoluta.

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En revistas y pasarelas vemos estos colores en trajes, pero con nuevas texturas, patrones y cortes que le dan un giro de modernidad, presentados de manera muy novedosa y trendy. Por esta razón sólo se los recomiendo a los que son muy fashionistas. Para el resto de los mortales, creo que es mejor estos tonos para lucir  más ejecutivos y con más porte.
Por supuesto este “no brown in town” no aplica a texturas como el tweed y para looks más casuales, es sólo para trajes.

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Las siluetas más icónicas de Christian Dior

by it fashion, 14 oct 2016

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The New Look, Primavera 1947

“Hay dos Christian Diors,” escribió él en 1956 en su memoria Christian Dior & I. Durante su carrera el diseñador francés no hizo más que innovar con looks que han pasado a la historia. En 1953 Dior abrió su tienda en París, convirtiéndose así en la más grande y lujosa de la ciudad. A partir de este momento y hasta su muerte en 1957 pasaron 22 colecciones firmadas con su nombre. Dior creaba una nueva silueta cada temporada. Sus pasos empezaron en la primavera de 1947 con el llamado “New Look“, con el Bar como traje estrella. Con él, nació la silueta hyper-femenina de fin de siècle. El diseñador francés creó una oleada refrescante y llena de sensualidad que encubría los grisáceos años de la Segunda Guerra Mundial.

En el año 1954 lanzó la forma H, un nuevo estilo llamado también “French Bean Line” o “Flat Look” con unas formas rectas que suavizaban más la silueta femenina. Con ella la falda lápiz, que ya se veía en el “New Look”, llegó a su máximo exponente.  Un año más tarde llegó la figura A y la Y, con formas que seguían el patrón de la letra que las alude. Pero, sin embargo, la silueta “tulipán” fue una de las más recurrentes en la tienda parisina.

Ahora Vogue ha recopilado en imágenes sus siluetas más emblemáticas.  ¿Cuál es tu favorita?

Vía Vogue.

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Lo que hay que saber para elaborar un patrón

Para tomar decisiones sobre las holguras que queremos dar o quitar a las medidas -correspondientes a cada talla en caso de crear un patrón base, o contenidas, en un patrón tomado como base para realizar un patrón modelo-, hay que considerar el tipo de prenda a patronar, haciendo un estudio claro del diseño.

Características de la prenda que definen el ajustado o la holgura que requiere:

– Prenda de interior o exterior.

– Línea de la prenda.

– Tejido destinado a la prenda.

– Puntos de sujeción de la prenda al cuerpo.

Prenda de interior o exterior

A medida que la prenda se aleja del cuerpo se hace mayor el espacio interior creado entre la prenda y éste, espacio que puede ser ocupado por una serie de prendas intermedias.

Esto se consigue aumentando el recorrido del patrón.

Si la prenda está pensada para ir sobre otras, entonces habrá que tener en cuenta el número de prendas a cubrir y el grosor de las mismas. Pudiendo añadir, no por norma general, por cada prenda a cubrir de 2 a 6 cm. al base o sumárselo a las medidas de semiperímetro, y en los largos-talles habrá que añadir aproximadamente 0,5 cm. por prenda que se cubre.

También hay que considerar a quien va dirigida la prenda. El hombre, por ejemplo gusta de ropa amplia y que le permita bien el movimiento, al contrario que la mujer que resalta por la revelación de sus formas, gracias a ropas más bien ajustadas.

A las prendas ajustadas, -camisetas de interior, sujetadores, bañadores y similares, que no sólo por pegarse al cuerpo sino también ajustarlo, se les podría quitar las holguras con respecto a las medidas tomadas pero además se podría restar de esas medidas para conseguir su ajustado.

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La línea definirá las zonas donde la prenda se pega y/o se despega del cuerpo, dónde se crea el volumen (con espacio interior), y donde desaparece siguiendo las mismas pautas que para el apartado anterior, es decir, allí donde queramos conseguir un volumen o un alejamiento de la prenda con respecto al cuerpo, habrá que dar más holgura o desahogo y dónde se necesite el efecto contrario habrá que quitarlo.

Hay que hacer un detallado estudio del diseño para decidir las holguras que se necesita dar o quitar al patrón.

Tejido destinado al diseño

Debido a la gran variedad de tejidos existentes y cada uno con unas características propias, es difícil precisar las holguras exactas que se pueden dar a una prenda concreta ya que además de considerar la línea y el tipo de prenda hay que estudiar o conocer bien el comportamiento del tejido que queremos emplear, su resistencia a encoger o estirar frente a los diferentes tratamientos a que se pueda someter, la estabilidad dimensional propia (flexibilidad) y otros factores.

Es por eso que hay que realizar siempre un prototipo del diseño antes de sacarlo a producción para corregir los fallos y rectificar el patrón de acuerdo con éstos. Un mismo patrón probado y resuelto en un tejido puede necesitar modificaciones si se realiza en otro tejido con diferentes características estructurales.

Nieves Álvarez en la VFW, Archerphoto, fotógrafo profesional
Nieves Álvarez en la VFW

No es igual el patrón de una prenda que se amolde al cuerpo y se confeccione en tejido de trama estable, que conseguir el mismo efecto en la prenda con un tejido de punto o lycra.

Los artículos que se confeccionan en punto y , sobre todo en lycra, y destinados a ajustar el cuerpo son una o dos tallas menos que lo que corresponde por medidas.

 

Puntos de sujeción de la prenda al cuerpo

Hay que considerar también los puntos o zonas por donde la prenda se sujeta al cuerpo. Por ejemplo, por regla general, una falda no lleva las mismas holguras en cintura que un vestido.

La cintura en la falda es una sección de apoyo o de sujeción al cuerpo, si le damos mucha holgura podemos perder la talla y correr el riesgo de que la falda baile o se mueva en torno al cuerpo. Un vestido, sin embargo, tiene su punto de sujeción en los hombros y no en la cintura por lo que se puede permitir la holgura que se desee en esta medida.

En definitiva, esto es lo que hay que saber para elaborar un patrón. Si te ha interesado, es probable que quieras contactar con nosotros para saber de nuestros cursos y horarios.

No es sencillo diseñar vestidos sencillos

Cuando se eliminan de una prenda los elementos de diseño superfluos, cobran mayor importancia todos los elementos más sutiles (proporción, línea, ajuste…). Esto requiere un estudio profundo y refinado de la anatomía, la geometría,el equilibrio, el espacio positivo negativo y sobre todo la armonía entre las partes y el todo.

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Si te interesa saber más sobre patronaje y moda, puedes solicitarnos información: tenemos cursos que se adaptan a tus necesidades.