Las reglas para el trazado de patrones

Las reglas para el trazado de patrones - Foto: Sergi Albir - Archerphoto

Cualquier persona que quiera dedicarse al diseño de ropa sabe que el patronaje es fundamental en el proceso de construcción de una prenda. Así las medidas y las reglas de patronaje son muy necesarias para cualquier prenda que se quiera realizar.

Como nuestros cuerpos están construidos con una gran cantidad de curvas, las reglas típicas de dibujo técnico no nos ayudan a hacer el trabajo correcto.

Las reglas de patronaje se pueden utilizar para elaboración de patrones y para hacer arreglos en las prendas. Pero si nunca has usado una antes puede resultar muy confuso como emplearlas.

Hay tres tipos principales de reglas curvas para realizar prendas creativas.

Unas son esenciales para el trazado del patrón base y el patrón tipo, mientras que otras son útiles para las transformaciones o los ajustes de montaje.

Las reglas para el trazado de patrones

Las reglas para el trazado de patrones

1 Curva francesa.

La curva francesa es la regla curvada más utilizada para el diseño de moda. Sirve para asegurar que los escotes tienen la forma anatómica para la que se diseñan. Ni demasiado rectos, ni demasiado altos o anchos. También para el trazado de mangas.

2  Regla flexible.

Esta herramienta es muy útil para que la copa de la manga ajuste perfectamente con la sisa y anatómicamente sea correcta y permita el movimiento de los brazos. Utiliza esta regla para medir la longitud de la linea de sisa y luego transferir estas medidas en el trazado de la copa de manga. También sirve para copiar escotes o canesús de tus prendas favoritas.

3  La curva de cadera o sable.

La curva de cadera es esencial para la creación de patrones de pantalones y faldas.  Se emplea para trazar la curva de cadera.  También resulta ideal para el trazado de solapas y la línea de codo en las mangas de dos hojas (sastre).

También os ayuda a trazar las líneas de estilo de los vestidos.

Modo de uso: a partir de la cintura (para faldas y pantalones) o de las sisas para vestidos se coloca la regla de arriba abajo y se ajusta para que pase por los puntos deseados.

4 Juego de curvas Burmester.

Estas reglas son muy comunes para realizar cualquier dibujo técnico. No se utilizan para realizar base, su uso más común es para hacer escotes de fantasía, solapas y algunos ajustes en la copa de la manga. Son unas herramientas magnificas para hacer pinzas de estilo, curvadas y costadillos.

Con una regla por muy maravillosa que sea no vas a hacer los patrones sin más, pero es una herramienta muy útil para hacer los trazados más perfectos y limpios

Un consejo: las reglas deben estar cerca de la mesa de trabajo, a ser posible colgadas, se rayarán menos que si las guardas en cajones o las traes de un lado para otro sobre la mesa de trabajo. Cuidado que no te caigan porque suelen partirse o despuntarse.

Hay infinidad de reglas en el mercado. Algunas son muy polivalentes, otras muy específicas.

Lo que sí que hay que tener claro es que debe ser rígida, nada maleable, flexible o demasiado fina, transparente os recomiendo el metacrilato transparente y cortado con láser. Con este tipo de corte quedan unos bordes muy limpios y precisos.

Donde encontrarlas

https://merceriasarabia.com/61-reglas-modista

http://www.hamon-paris.com/

https://www.morplan.com/shop/en/morplan/pattern-making

http://www.materialesbellasartes.com/reglas-de-patronaje

Si te interesa contactar con Fábrica de Moda para cursos de patronaje y más materias relacionadas con el diseño de moda , aquí tienes toda la información.

 

Patronaje de Moda: 5 consejos que debes conocer antes de empezar

Fábrica de Moda, escuela de patronaje en Valencia. Foto: Gloria de Pablo

Saber por dónde empezar a estudiar patronaje puede ser abrumador. Lo más difícil siempre es saber por dónde comenzar y saber qué necesitas para desarrollar tus modelos del dibujo a tejido.

Al igual que con cuando se aprende cualquier otra nueva habilidad, no te preocupes demasiado al principio por hacerlo todo perfecto y cada prenda sea de 10 y toma estos consejos para comenzar el patronaje de moda.

Patronaje de Moda: 5 consejos que debes conocer antes de empezar

Para aprender cómo hacer ropa femenina, masculina o infantil, trazar un patrón base, realizar escotes, cuellos y otras fantasías, estos consejos te ayudarán a comenzar.

Con un poco de ayuda y algunos trucos de expertos, podrás realizar las prendas que antes solo podías soñar.

Consejo #1: Reunir las herramientas adecuadas

Herramientas de patronaje - Fábrica de Moda - Foto: Gloria de Pablo

Al igual que la cocina, es difícil de hacer bien el trabajo sin la herramienta adecuada.  Algunas pueden ser sustituidos con un artículo similar, pero muchas herramientas tienen una tarea singular e importante que sólo con ellas se puede conseguir.  Lo mismo ocurre con patronaje. Hay material que hará tu trabajo más fácil por lo que es vale la pena invertir en algunos artículos de calidad para ayudarte a ti mismo. La imagen de arriba son algunas de las herramientas clave para comprar de patronaje.

De izquierda a derecha, son algunos de mis favoritos:

1– Regla de 40 cm.

2– Escuadra.

3- Tijeras de papel.

4– Tijeras de tela.

5– Lápiz de minas de 0,5.

6 – Punzón.

7– Piquetera.

8 – Rotuladores de colores.

9- (arriba) Curva francesa.

Todos estos elementos son fundamentales en patronaje. Además de estos artículos, os sugiero comprar papel Kraft blanco de 70 gr/m²  y cartón de patronaje de 300gr/m². El cartón para tener en ese soporte los patrones base y el Kraft para realizar las transformaciones y realizar prototipos de prendas.

Consejo #2: Reunir patrones y prendas de vestir para su estudio

El mejor modo de comprender como se hacen las prendas es estudiar prendas y patrones ya existentes.

Conviene comprar unos cuantos y estudiarlos. ¿Cómo se forma? ¿Cómo fluyen las curvas y cambian a medida que se mueven alrededor del cuerpo? Fíjate en las marcas que llevan los patrones y averigua que son y por qué son importantes. Tengo patrones que van desde nuestros días hasta la década de 1920. Son diferentes a medida que cambian los tiempos, las modas, los diferentes estilos y como han cambiado las tallas y proporciones de los cuerpos estándar.

Aprende, copiando y copiando prendas que se ajusten al estilo que quieres tener.

Consejo #3: Invertir en libros de patronaje y diseño

libros de patronaje - escuela de patronaje Valencia - Fábrica de Moda - Foto: Gloria de Pablo
Invertir en libros de patronaje es necesario.

Sin lugar a dudas, la mejor manera de obtener información es a través de libros de texto.  Mis favoritos son los que aparecen en la foto. Son libros útiles tanto para el diseñador de prendas en serie como a medida y, por supuesto, para el estudiante de moda.

En estos libros de texto, aprenderás a trazar patrones base, y transformaciones o como realizar prendas drapeadas, te ayudaran a realizar modelos que jamás serias capaz por tu cuenta y hacerlo de un modo profesional por si algún día decides ir mas allá de tus necesidades de costura personales.

Es fundamental conocer los tejidos, sus características y composiciones, así como los refuerzos (entretelas, ballenas, etc.).

Consejo #4: Prueba patronaje por tu cuenta

Una vez que has aprendido una o dos cosas y ha invertido en algunas herramientas de calidad, entonces es el momento de coserlo y de ver el volumen en tres dimensiones.

Puedes encontrar revistas como Burda o Patrones en tu quioscom, donde te ofrecen diseños y patrones de diferentes estilos. Tienes la prenda sobre una modelo y luego el dibujo en plano de esa prenda. En las instrucciones viene como marcar el patrón en tela y los pasos para la coserlos.

Es muy útil si acabas de empezar en la moda y en la costura, y un modo de ir más seguro en el proceso de creación de una prenda. Una vez hayas hecho varios modelos puedes utilizar todos estos conocimientos en sus propios diseños.

Consejo #5: ¡Inscríbete en un curso de patronaje!

Tomar clases con un patronista-modelista cualificado es la mejor manera de aprender y la más rápida. Un profesional está dispuesto a compartir sus conocimientos, puede resolverte tus dudas, y aconsejarte acerca de la mejor técnica para realizar tu modelo. Te ayudará a realizar los patrones con tus medidas personales y facilitarte el tallaje que se utiliza en la confección industrial.  Las ciudades más grandes tienen formación reglada, cursos universitarios y de formación continua para adultos.

¡El principal consejo es no tener miedo y simplemente ponerse en marcha! Los materiales no son caros y tampoco es necesario invertir en tejidos de precios altos. Intentarlo no te va a arruinar, experimenta y si sale mal… Vuelve a intentarlo hasta que te salga bien.

Gloria de Pablo

Para inscribirte en las clases de Fábrica de Moda puedes llamarnos por teléfono o enviarnos un Whatsapp al (+34) ) 661 574 434, o un correo electrónico a fabricademoda@fabricademoda.com.

¿Qué es el moulage?

cursos de moulage Valencia
Moulage es como se denomina la técnica de corte y confección en la que se trabaja directamente sobre una persona o sobre un maniquí. La técnica también recibe el nombre de “corte a ojo” y necesita que la persona que la vaya a realizar tenga un conocimiento importante sobre los materiales que va a emplear, pudiendo así obtener el mejor rendimiento.  En general, el moulage permite que el ajuste al cuerpo sea óptimo, así que muchos profesionales de alta costura prefieren emplear esta técnica. Lo realmente importante es que se trata de una técnica que nos permite crear un patrón que podremos repetir y disponer de una prenda plenamente reproducible. Reproducible y, claro, escalable.
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La idea es utilizar un material similar al que se empleará en el diseño final para poder aproximar al máximo el resultado. Si la caída o la rigidez no es la misma el producto final podría ser radicalmente diferente, de ahí que el conocimiento de las telas sea un requisito técnico para obtener el resultado idóneo.

Moulage

El nombre de moulage procede del francés, pero los ingleses y americanos prefieren denominarlo como draping, un nombre que tiene mucho menos glamour pero que técnicamente también es válido. Curiosamente, en castellano se utiliza la palabra drapeado, que incluye una parte del moulage, pero constituye solamente una pequeña parte de las técnicas que incluye.
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En Fábrica de Moda impartimos cursos de moulage regularmente: no es imprescindible que tengas conocimientos previos de moda porque con esta técnica la idea es crear un vestido a partir de una pieza de tela. Como además, tenemos la matrícula abierta durante todo el año, podrías empezar a aprender esta misma semana.
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Para más información sobre cursos y matrícula, puedes enviar un correo electrónico a fabricademoda@fabricademoda.com o llamar al +34 661 574 434 (también Whatsapp).

La evolución de la ropa interior

El hecho de que la ropa evoluciona constantemente es indiscutible. Los cambios en la ropa interior tienen efecto sobre todo lo que se pone encima: un ejemplo está en las figuras que protagonizan los años cincuenta con una hiperfeminización de la silueta femenina. Sin la ropa interior adecuada es prácticamente imposible conseguir el mismo efecto.

Pero volviendo al vídeo, apareció en el canal de Harper’s Bazaar en Youtube. También está en Facebook, pero como el formato es cuadrado, hemos pensado que era más interesante colocarlo aquí también para que se vea completo.

La evolución de la ropa interior

Si quieres saber más sobre Fábrica de moda, escuela de patronaje en Valencia, puedes escribirnos a fabricademoda@fabricademoda.com. Estaremos encantados de contarte cosas sobre nuestros cursos y nuestro seguimiento personalizado.

El significado de “No brown in town”

Esta expresión es inglesa y su traducción literal es “No marrón en la ciudad” . A principios del siglo pasado, en plena revolución industrial, las grandes ciudades inglesas estaban llenas de humo y hollín de las fábricas por lo que estar limpio no era una cosa fácil.

pog13-two-gentlemen-seated-carte-de-visite-stavanger-norway no brown in townPor eso los hombres de negocios de la época empezaron a usar colores como el gris y azul marino que eran los mejores para que esta suciedad se notara menos, y colores como el marrón y el verde se relegaron a personas que viven en el campo.Por esta razón inventaron esta frase, haciendo una diferencia entre la gente de la ciudad, relacionada a los negocios y el crecimiento, en contraste con la gente del campo, relacionada a la agricultura y a un modo de vida más modesto.

No brown in town

Esta connotación del color sigue hasta nuestros días. Tanto para hombres como para mujeres en el mundo laboral Por esta razón cuando vemos un traje en color marrón o verde, automáticamente tenemos una idea de poco crecimiento, y la persona que lo lleva se ve con poco poder, como ese oficinista que lleva 20 años en el mismo puesto y con un salario de tristeza absoluta.

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En revistas y pasarelas vemos estos colores en trajes, pero con nuevas texturas, patrones y cortes que le dan un giro de modernidad, presentados de manera muy novedosa y trendy. Por esta razón sólo se los recomiendo a los que son muy fashionistas. Para el resto de los mortales, creo que es mejor estos tonos para lucir  más ejecutivos y con más porte.
Por supuesto este “no brown in town” no aplica a texturas como el tweed y para looks más casuales, es sólo para trajes.

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Las siluetas más icónicas de Christian Dior

by it fashion, 14 oct 2016

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The New Look, Primavera 1947

“Hay dos Christian Diors,” escribió él en 1956 en su memoria Christian Dior & I. Durante su carrera el diseñador francés no hizo más que innovar con looks que han pasado a la historia. En 1953 Dior abrió su tienda en París, convirtiéndose así en la más grande y lujosa de la ciudad. A partir de este momento y hasta su muerte en 1957 pasaron 22 colecciones firmadas con su nombre. Dior creaba una nueva silueta cada temporada. Sus pasos empezaron en la primavera de 1947 con el llamado “New Look“, con el Bar como traje estrella. Con él, nació la silueta hyper-femenina de fin de siècle. El diseñador francés creó una oleada refrescante y llena de sensualidad que encubría los grisáceos años de la Segunda Guerra Mundial.

En el año 1954 lanzó la forma H, un nuevo estilo llamado también “French Bean Line” o “Flat Look” con unas formas rectas que suavizaban más la silueta femenina. Con ella la falda lápiz, que ya se veía en el “New Look”, llegó a su máximo exponente.  Un año más tarde llegó la figura A y la Y, con formas que seguían el patrón de la letra que las alude. Pero, sin embargo, la silueta “tulipán” fue una de las más recurrentes en la tienda parisina.

Ahora Vogue ha recopilado en imágenes sus siluetas más emblemáticas.  ¿Cuál es tu favorita?

Vía Vogue.

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Lo que hay que saber para elaborar un patrón

Para tomar decisiones sobre las holguras que queremos dar o quitar a las medidas -correspondientes a cada talla en caso de crear un patrón base, o contenidas, en un patrón tomado como base para realizar un patrón modelo-, hay que considerar el tipo de prenda a patronar, haciendo un estudio claro del diseño.

Características de la prenda que definen el ajustado o la holgura que requiere:

– Prenda de interior o exterior.

– Línea de la prenda.

– Tejido destinado a la prenda.

– Puntos de sujeción de la prenda al cuerpo.

Prenda de interior o exterior

A medida que la prenda se aleja del cuerpo se hace mayor el espacio interior creado entre la prenda y éste, espacio que puede ser ocupado por una serie de prendas intermedias.

Esto se consigue aumentando el recorrido del patrón.

Si la prenda está pensada para ir sobre otras, entonces habrá que tener en cuenta el número de prendas a cubrir y el grosor de las mismas. Pudiendo añadir, no por norma general, por cada prenda a cubrir de 2 a 6 cm. al base o sumárselo a las medidas de semiperímetro, y en los largos-talles habrá que añadir aproximadamente 0,5 cm. por prenda que se cubre.

También hay que considerar a quien va dirigida la prenda. El hombre, por ejemplo gusta de ropa amplia y que le permita bien el movimiento, al contrario que la mujer que resalta por la revelación de sus formas, gracias a ropas más bien ajustadas.

A las prendas ajustadas, -camisetas de interior, sujetadores, bañadores y similares, que no sólo por pegarse al cuerpo sino también ajustarlo, se les podría quitar las holguras con respecto a las medidas tomadas pero además se podría restar de esas medidas para conseguir su ajustado.

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La línea definirá las zonas donde la prenda se pega y/o se despega del cuerpo, dónde se crea el volumen (con espacio interior), y donde desaparece siguiendo las mismas pautas que para el apartado anterior, es decir, allí donde queramos conseguir un volumen o un alejamiento de la prenda con respecto al cuerpo, habrá que dar más holgura o desahogo y dónde se necesite el efecto contrario habrá que quitarlo.

Hay que hacer un detallado estudio del diseño para decidir las holguras que se necesita dar o quitar al patrón.

Tejido destinado al diseño

Debido a la gran variedad de tejidos existentes y cada uno con unas características propias, es difícil precisar las holguras exactas que se pueden dar a una prenda concreta ya que además de considerar la línea y el tipo de prenda hay que estudiar o conocer bien el comportamiento del tejido que queremos emplear, su resistencia a encoger o estirar frente a los diferentes tratamientos a que se pueda someter, la estabilidad dimensional propia (flexibilidad) y otros factores.

Es por eso que hay que realizar siempre un prototipo del diseño antes de sacarlo a producción para corregir los fallos y rectificar el patrón de acuerdo con éstos. Un mismo patrón probado y resuelto en un tejido puede necesitar modificaciones si se realiza en otro tejido con diferentes características estructurales.

Nieves Álvarez en la VFW, Archerphoto, fotógrafo profesional
Nieves Álvarez en la VFW

No es igual el patrón de una prenda que se amolde al cuerpo y se confeccione en tejido de trama estable, que conseguir el mismo efecto en la prenda con un tejido de punto o lycra.

Los artículos que se confeccionan en punto y , sobre todo en lycra, y destinados a ajustar el cuerpo son una o dos tallas menos que lo que corresponde por medidas.

 

Puntos de sujeción de la prenda al cuerpo

Hay que considerar también los puntos o zonas por donde la prenda se sujeta al cuerpo. Por ejemplo, por regla general, una falda no lleva las mismas holguras en cintura que un vestido.

La cintura en la falda es una sección de apoyo o de sujeción al cuerpo, si le damos mucha holgura podemos perder la talla y correr el riesgo de que la falda baile o se mueva en torno al cuerpo. Un vestido, sin embargo, tiene su punto de sujeción en los hombros y no en la cintura por lo que se puede permitir la holgura que se desee en esta medida.

En definitiva, esto es lo que hay que saber para elaborar un patrón. Si te ha interesado, es probable que quieras contactar con nosotros para saber de nuestros cursos y horarios.

No es sencillo diseñar vestidos sencillos

Cuando se eliminan de una prenda los elementos de diseño superfluos, cobran mayor importancia todos los elementos más sutiles (proporción, línea, ajuste…). Esto requiere un estudio profundo y refinado de la anatomía, la geometría,el equilibrio, el espacio positivo negativo y sobre todo la armonía entre las partes y el todo.

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Si te interesa saber más sobre patronaje y moda, puedes solicitarnos información: tenemos cursos que se adaptan a tus necesidades.

Cómo se diseña una colección de moda

El proceso para diseñar una colección de moda se divide en tres fases.

 1. Análisis, información y comunicación

– Clasificación del producto moda. Concretar con el tipo de colección que se va a desarrollar:

Target o público objetivo. ¿quién vestiría mi ropa?

– La competencia.

Documentación histórica y/o análisis del contexto actual.

Investigación de materiales: búsqueda de tejidos, fornituras o abalorios y demás que se aprecien adecuados para nuestra colección.

Inspiración: ( Libro de artista o visual research , moodboard , collage, etc. )

 2. Síntesis y comunicación

–  Creación e ilustración de modelos ( bocetos en borrador ).

– Pruebas de color

– La colección ( título de la colección)

– Carta de color (PANTONE)

– Carta de tejidos

– Tipología de prendas

Ficha técnica de prendas

3. Realización

– Elaboración de los prototipos

Patronaje y transformaciones

Confección

– Posibles modificaciones

Estilismo

Sesión fotográfica de los modelos